Depois de toda aquela polêmica que quase acabou com a exposição da Nan Goldin no Rio de Janeiro, finalmente foi inaugurada a maior retrospectiva da fotógrafa aqui no Brasil. Hoje, dia 9, ela já está aberta ao público, e fica aberta até abril. Disse a própria Nan Goldin para o O Globo que ela vem para o Brasil encerrar a exposição, para inclusive conhecer os artistas que criticaram a censura da Oi Futuro ao seu trabalho.

Eu sei que é bater na mesma tecla, mas vale a pena insistir pra que todos os cariocas e turistas que estiverem no Rio nos próximos meses vejam a exposição. Digamos que boa parte do que a gente vê nas fotografias atuais, nas imagens que a gente tem em mente como referência inclusive, tem muito do que a Nan Goldin trouxe com as suas fotos, já nos anos 1970, quando ainda não tinha o reconhecimento que tem hoje, mas começava a chamar alguma atenção. Não é à toa que muita gente a considera a fotógrafa mais importante dos últimos 30 anos, e a principal representante de uma geração que continua explorando os caminhos que ela começou a explorar. Resumindo: tem de ver, eu imploro!

Nan Goldin – Heartbeat
De 9 de fevereiro a 8 de abril de 2012
Museus de Arte Moderna Rio de Janeiro
Av. Infante Dom Henrique, 85 – Parque do Flamengo

Mais uma exposição pra quem tiver a sorte de viajar pra Europa por esses tempos. O fotógrafo Anthony Souza, que é brasileiro e tem míseros 24 anos, está fazendo uma exposição na Little Black Gallery, em Londres, com fotos que ele fez na Índia, e os film stills do W.E., filme dirigido pela Madonna que ainda não estreou por aqui.

O diferencial é que, apesar de serem stills das filmagens, o Anthony Souza não se limitou a fazer fotos objetivas das cenas. Todas as fotos expostas são mais interpretações das cenas do que um registro de filmagem. Não consegui achar nenhuma foto da Índia que estará nessa exposição para compartilhar aqui, mas os stills do W.E. já dão uma boa ideia do que será exposto. No mínimo, vale a curiosidade. Do jeito que a crítica tem massacrado o filme da Madonna, pode ser até que as fotos do Anthony Souza sejam até melhores que o filme.

Anthony Souza
De 13 de dezembro a 20 de dezembro
The Little Black Gallery
13A Park Walk – Londres

Capa do disco Island Life (1985) de Grace Jones

Mais uma dica pra quem tiver a sorte de estar ou de ir pra Paris até o começo desse ano: o Les Arts Décoratifs montou uma das maiores retrospecitvas do artista Jean-Paul Goude. Fotógrafo, cineasta e artista plástico, Goude ficou bastante conhecido pelas obras que fez ao lado de ninguém menos que Grace Jones, cantora-mito que influenciou praticamente tudo que você conhece hoje sobre cultura pop (e que a Lady Gaga tanto referencia/copia, não custa avisar). São deles as capas de discos clássicos da Grace Jones, como o Slave To The Rhythm (1985), o Nightclubbing (1981) e a coletânea Island Life (1985).

Capa do disco Nightclubbing da Grace Jones

Foi com a Grace Jones também que ele fez uma propaganda incrível para a Citröen, em que um robô vomita e engole o carro, de modelo totalmente futurista (curiosidade: esse carro é um dos modelos que inspiraram a versão hatch do Monza aqui no Brasil - quem tem mais de 25 anos deve lembrar!). Claro que esse robô é visivelmente inspirado na musa do Goude: não só ele é a cara da Grace Jones, como quem está dirigindo o carro é a própria musa.

Capa do Slave To The Rhythm, da Grace Jones. A figura humana estendida além da nossa noção de realidade

Mas não foi só com a Grace Jones que o Goude trabalhou. Ele também tem um trabalho de colagens, e um dos traços mais fortes delas era o de mudar a silhueta das pessoas, estendê-las deliberadamente, até que elas parecessem esticadas, compridas, mas nunca disformes. Tudo isso faz parte de uma ideia bem presente nos artistas que se destacaram no final dos anos 70 e começo dos 80. Antes do Photoshop e dos recursos que hoje ajudam a gente a liberar a imaginação, esses artistas sempre buscavam um extremo plástico, uma visão que parecesse surreal e, ao mesmo tempo, fantástica. Não é à toa que o Goude é um dos principais artistas dessa geração, e a Grace Jones parece de plástico na capa do Island Life .

O estilista Azzedine Alaïa e a modelo Farida Khelfa, musa do Jean-Paul Gaultier e do Goude também

Inaugura agora, dia 23 de novembro, no Centro Cultural dos Correios do Rio de Janeiro, a exposição BRASSAÏ, com fotos clássicas de um dos fotógrafos mais importantes da história. Para quem não conhece, Brassaï (ou Gyula Halász, seu nome verdadeiro) foi um fotógrafo húngaro que dedicou a maior parte da sua vida e do seu trabalho para retratar Paris, principalmente à noite. Fez tanto isso que é um dos principais responsáveis pela estética noturna que a gente vê até em fotos mais recentes, além de ter influenciado gente como o Helmut Newton, e sido admirado por André Kertész e Henri Cartier-Bresson.

Como um dos temas principais do Brassaï era retratar a vida noturna parisiense e muito do que esse universo tem/tinha de marginal, o clima das fotos é sempre soturno, todo desenvolvido entre o contraste luz/sombras, claro/escuro. O resultado é uma fotografia documental mas, antes disso, artística e poética. Vendo as fotos como um todo, a sensação que dá é de que a obra inteira do Brassaï é quase um único retrato sobre Paris, ou sobre a noite da tal “Cidade Luz”.

Quem mora no Rio, ou vai passar pelo Rio em breve, vale muito a pena ver. Eu iria. A exposição fica até 8 de janeiro, e ainda por cima é de graça. Resumindo, não tem desculpa!

BRASSAÏ
De 23 de Novembro a 8 de Janeiro
Centro Cultural Correios (Rua Visconde de Itaboraí, 20 – Centro, Rio de Janeiro)
Entrada Franca
Informações: (21) 2253-1518

Como acontece toda vez que o Almodóvar lança um filme, a expectativa é enorme, e pencas de gente se enfileiram pra conseguir assistir o quanto antes. Esse foi o meu caso ontem, quando assisti o A Pele que Habito, que já está passando aqui em São Paulo. Valeu a pena o esforço. Longe de achar os filmes do Almodóvar lindos, divertidos e coloridos, eu fui porque acho – e sempre achei – ele um dos melhores diretores do cinema hoje em dia.

A Pele que Habito está longe de ser tão bom quanto o Tudo Sobre Minha Mãe, por exemplo, mas é um filme que vale muito mais a pena pela complexidade do tema do que pelo suspense que muita gente tem usado pra definir o filme por aí. Não vou contar a história dele e estragar a graça pra quem ainda vai assistir, fiquem tranquilos. Mas, em linhas gerais, o filme fala sobre a busca de um homem em desenvolver uma pele humana perfeita e, para isso, usa uma pessoa como cobaia trancada dentro da sua casa. Ao mesmo tempo, essa cobaia fica cada dia mais parecida com a mulher que ele perdeu num acidente.

Pode ter tudo para ser um suspense, mas não é. A Pele que Habito é, antes de mais nada, um filme sobre perda de identidade, sobre o “Eu” único que cada um tem dentro de si, e que não desaparece nunca. É também sobre a falta de quem a gente perdeu e não conseguiu esquecer, sobre traumas irrecuperáveis. E, claro, sobre a mãe que ama sem saber como, sobre seus arrependimentos que nunca vai conseguir consertar.

No fundo, é um filme como todos os outros do Almodóvar. Não tem nenhuma novidade, nenhuma ideia que você nunca tenha visto nos filmes dele, nenhuma cor nova ou assunto original. E é por isso que é tão bom. O Almodóvar é aquele típico diretor que não esgota um tema num único filme, simplesmente porque esse tema está presente na sua vida, em quem ele é e tenta entender desde sempre. E todo mundo, mesmo que inconscientemente, sabe do que ele está falando. Sempre.

Vale muito a pena assistir. E depois voltem aqui para dar suas opiniões!

Cena do filme "Mullholland Drive" de David Lynch

Só será aberto ao público no começo de outubro, mas já divulgaram fotos do Club Silencio, casa noturna que o David Lynch fez inspirada no clube de mesmo nome que aparece no filme Mullholland Drive, de 2001. Pra quem não viu, é uma das cenas mais bonitas e absurdas do filme que acontece nesse clube.

O Club Silencio fica em Paris, no endereço histórico em que muitos artistas de esquerda viviam. É no mesmíssimo lugar, por exemplo, que a revista J’Accuse (“Eu Acuso”, em francês) do Émile Zola, era impressa. A decoração é totalmente inspirada na direção de arte do filme. Eu quero ir, alguém me convida?

Via Dezeen

Helena Almeida, Seduzir - 2002

Já que esse feriado safado caiu em plena quarta-feira e nós não podemos esticar a folga, nem nos esbaldar demais, porque amanhã tá todo mundo no trabalho normalmente, que tal aproveitar fazer um programinha light e ir conferir ao vivo – de uma só vez – o trabalho de artistas consagrados como Cindy Sherman, Richard Prince, Marina Abramovic, Philip Lorca, Helena Almeida e Vik Muniz?

Zhang Huan, Skin (Cheek, Eyes, Nose) - 1997

A seleção da coleção de fotografias da Fundação Telefônica, está organizada em torno de cinco temas – Corpo, Identidade, Arquitetura, Natureza e Simulacro -, reúne trabalhos de 1973 à 2007 e fica exposta no Instituto Tomie Ohtake, aqui em São Paulo, até 18 de setembro.

Ótima oportunidade de ir conferir.

Marina Abramovic, Pietà - 1993

Instituto Tomie Ohtake
Av. Faria Lima, 201
São Paulo – SP
Até 18 de setembro

"A Origem"

Já mostrei por aqui o trabalho de um fotógrafo louco por Lego que reinterpreta fotos clássicas, usando os bonequinhos de plástico. Apaixonada por Lego que sou, sempre fico de olho em fotos como essas e, aí, encontrei a série Lego Movies, de Alex Eylar, onde os bonequinhos aparecem em cenas de filmes famosos. Olha que legal!!!

"O Discurso do Rei"

"Inverno da Alma"

"O Exorcista"

"Harry Potter"

"O Poderoso Chefão"

"2011: Uma Odisséia no Espaço"

"127 Horas"

"A Família Addams"

"Minhas Mães e Meu Pai"

"Laranja Mecânica"

"Duro de Matar"

"Beleza Americana"

"Pulp Fiction"

"Cantando na Chuva"

"Cães de Aluguel"

"Indiana Jones"

E ainda de brinde veio o Dexter.

Tonight is the night.

No Flickr dele tem mais.

9000 rolhas de vinho + 50 horas de trabalho + muita paciência x MUITO TALENTO  =  ”Grace” do artista plástico Scott Gundersen.

Via www.wzzm13.com

Difícil aparecer um filme hoje em dia que ao mesmo tempo remete ao passado do cinema e traz uma visão atual, contemporânea, de temas que vira e mexe precisam ser revisitados e questionados. Ontem eu vi esse, Um Sonho de Amor (o original é Io Sono L’Amore, literalmente “Eu Sou o Amor” – vai entender porque não quiseram traduzir aqui o título exato), filme italiano produzido e protagonizado pela Tilda Swinton.

Vale a pena ver, mesmo. Na superfície, pode ser visto como mais um filme de amor, muito mais profundo que uma comédia romântica. Mas é nas entrelinhas que a história realmente acontece. O filme usa de uma família tradicional e rica de Milão para questionar todas as estruturas da tradição e da família. Não só questionar, mas mostrar a decadência disso, dos valores morais e do peso que o dinheiro traz para as relações humanas.

Até aí, muita gente pode achar que o filme não tem novidade nenhuma no tema, ainda mais se pensar que o argumento – o amor é maior que tudo – é falho, fraco e melódico demais. Mas – minha opinião – a forma como o assunto é abordado deixa claro que um argumento apelativo como esse (afinal, todo mundo adora acreditar na salvação do amor, não é?) só serve para fortalecer a ideia de que a realidade atual e os nossos valores no mínimo devem ser sempre olhados por nós com um olhar crítico. E isso, ao meu ver, é mais importante que qualquer romantismo que o filme possa ter.

É muito sutil, mas até na fotografia do filme, na forma como as coisas acontecem, tudo remete à ideia de que nós precisamos de muito menos do que temos para viver. Não é necessariamente a felicidade, esse sonho que a gente tem hoje em dia de ser 100% feliz, mas sim a verdade que cada um tem, que cada um é.

Quem eu conseguir convencer aqui de ver o filme, preste bem atenção nos desfoques da câmera, na forma como muitas cenas são simplesmente cortadas, como a história não é contada de uma forma literal. Pra quem conhece e gosta do cinema italiano, principalmente dos tais tempos áureos da Cinecittà, vai perceber quanto esse filme remete àquele cinema que nem os italianos fazem mais. É um filme romântico, mas com um fundo claramente político, forte. O Luchino Visconti, um dos maiores diretores de cinema italiano, sempre usava da classe média, da burguesia e da nobreza, pra mostrar a destruição e a decadência da sociedade e dos seus valores. No mínimo, o filme já serviria como uma ótima homenagem a essa época do cinema, que até hoje é considerada uma das mais importantes da história.

Silvana Mangano no filme Violência e Paixão, do Luchino Visconti. Contraste dos tempos e a questão do dinheiro já era tema dos italianos na década de 1970.

Burt Lancaster, também no Violência e Paixão. Ele representava o tempo antigo se deparando com a modernidade e as mudanças nos valores sociais.